Fritz Henle (June 9, 1909 – January 31, 1993) was a German-born photographer, known as « Mr. Rollei » for his use of the 2.25″ square format film used in the Rolleiflex camera. Called, « the last classic freelance photographer » by photohistorian, Helmut Gernsheim, he had a career spanning more than 60 years, during which he amassed an archive of more than 110,000 […]
Photo album-Nude study by Fritz Henle — Mujerdelcosmos
L’HISTOIRE DU FILM
À Jérusalem lors des quarante jours qui succèdent à la résurrection du Christ, puis en Galilée. Clavius, un tribun militaire romain, et son aide de camp Lucius sont mandatés par Ponce Pilate pour superviser la crucifixion d’un juif nommé Jésus de Nazareth. Après la mort du condamné et sous la pression du Sanhédrin, Pilate ordonne de faire sceller et garder le tombeau mais le lendemain, les deux sentinelles ont disparu et le tombeau est vide. Pilate charge Clavius d’enquêter sur la disparition du corps du Nazaréen. Pourchassant les disciples du Christ soupçonnés d’avoir enlevé le corps, Clavius se convertit progressivement lorsqu’il les retrouve dans une petite maison de Jérusalem autour de Jésus ressuscité. Il finit par les rejoindre en Galilée. Pilate, se sentant trahi, envoie Lucius le tuer, mais Clavius s’en va se perdre au désert, incertain de ce qu’il a vu.
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Mon évaluation
Il s’agit de mon film biblique favori car il fait un lien avec d’autres univers,entre la vision antique des dieux et la notre qui y voit une intervention extraterrestre.
Vlan ! Chez Feydeau, les comédiens doivent faire du bruit ! Disparu il y a tout juste un siècle, le maître du « théâtre des portes qui claquent » n’a cessé de séduire avec ses histoires d’amants dans le placard, donnant au vaudeville ses lettres de noblesse.
Allons à la rencontre de ce maître du rire qui vécut entouré de dizaines de personnages en pleine scène de ménage.
Le 8 décembre 1862 nait à Paris un petit Georges, chez Ernest et Léocadie Feydeau. Une belle histoire d’amour… sauf que tout semble indiquer que le cher enfant n’est en rien le fils de son père officiel.
Les mauvaises langues vont même jusqu’à désigner un géniteur, et pas n’importe lequel : le duc de Morny, voire son demi-frère, l’empereur Napoléon III lui-même…
Qu’importe ! « Bébé » grandit au milieu du milieu intellectuel de l’époque et c’est donc tout naturellement qu’à neuf ans seulement il écrit sa première pièce. Mais l’époque dorée de l’enfance s’arrête en 1869 lorsque son père est victime d’une hémiplégie avant de mourir, en 1873.
Plongé dans des études médiocres, le jeune garçon n’a qu’une passion : le théâtre. Après quelques monologues, il crée en 1882 sa première pièce en un acte et deux personnages, Par la fenêtre.
Il faut maintenant élargir le public : ce sera fait en janvier 1883 avec Amour et piano, un vaudeville, bien sûr. Mais l’administration ne l’entendait pas de cette oreille : en novembre 1874, Feydeau tire un « mauvais numéro » et se voit incorporé dans l’infanterie, à Rouen. Sa nouvelle mission de « technicien des brancards » lui laissant beaucoup de loisir, il en profite pour s’encanailler à Paris avant de devenir secrétaire du théâtre de la Renaissance.
On commence à parler des bons mots de ce jeune homme qui écrit pièce sur pièce. La période est cependant difficile puisqu’il peine à maintenir un niveau de vie bourgeois pour sa femme et sa petite fille.
En cette année 1892, la situation est grave pour Feydeau : 11 de ses comédies sur 12 ont échoué, et il vient d’avoir un second enfant. C’est donc son va-tout qu’il joue avec Monsieur chasse ! Bingo ! Dans les années suivantes, il enchaîne joyeusement les comédies à succès : Le Système Ribadier en 1892, L’Hôtel du Libre Échange et Un Fil à la patte en 1894, Le Dindon en 1896.
Il y gagne une Légion d’honneur, quelques maîtresses supplémentaires et de nouveaux amis qui sont là pour applaudir le triomphe, en 1899, de La Dame de chez Maxim’s. La Puce à l’oreille, créée en 1907, ne pourra faire mieux, victime de la mort d’un de ses comédiens.
« Une pièce ne se fait pas comme une paire de souliers » aimait à répéter le maître. Pour trouver des sources d’inspiration, il aimait s’asseoir dans un coin de restaurant ou à une table de la bonne société. Puis il laissait vagabonder son imagination pendant des semaines, voire des années, se refusant jusqu’au dernier moment à élaborer un scénario. Aidé à l’occasion par un peu de cocaïne, il parvenait à créer des œuvres au cordeau, poussant la minutie à détailler les décors au centimètre près. Ainsi sont nés des chefs-d’œuvre de la comédie sous la plume d’un homme qui disait pourtant faire partie des rabat-joie : « Ne vous étonnez pas si je suis triste. Telle est, en effet, ma disposition habituelle. Je ne ressemble point à mes pièces, que l’on s’accorde à trouver réjouissantes. Je suis mauvais juge en ces matières, je ne ris jamais au théâtre » (interview au Figaro, 1900) !
Si Occupe-toi d’Amélie en 1908 et On purge bébé en 1910 finissent de prouver, s’il en est besoin, le talent d’écrivain de Feydeau, on ne peut pas dire que l’auteur en retire une véritable tranquillité d’esprit.
Amoureux des belles choses, il est obligé en 1901 de mettre aux enchères une partie de sa magnifique collection de peintures, et ne supporte plus la vie de famille… Direction l’hôtel Terminus ! S’inspirant d’une drôle de manie de son ex-épouse, il y rédige Mais n’te promène donc pas toute nue (1911).
Mais il n’aura pas le temps de relancer sa carrière puisque la syphilis commence à provoquer chez lui des troubles psychiatriques qui obligent ses enfants à l’interner à Rueil-Maison. C’est là qu’il meurt, deux ans plus tard, le 5 juin 1921.
Retrouvez à travers ces quelques répliques le fameux sens de la formule de Feydeau…
– « Je ne te connaissais pas ; et crac, du jour au lendemain, parce qu’il y avait un gros monsieur en ceinture tricolore devant nous à qui on avait dit “oui“, c’était admis ! Tu me voyais toute nue. Eh ! Bien, ça, c’est indécent » (Mais n’te promène donc pas toute nue !).
– « Dans n’importe quel ménage, quand il y a deux hommes, c’est toujours le mari qui est le plus laid » (Un Fil à la patte).
– « Je suis très embêtée, je crois que je suis grosse… Comme tu es imprudent ! Je vais être obligée de te tromper avec mon mari ! » (Je ne Trompe pas mon mari).
– « Si les maris pouvaient laisser leurs femmes avoir un ou deux amants pour leur permettre de comparer, il y aurait plus de femmes fidèles ! » (La Main passe).
– « Les maris des femmes qui nous plaisent sont toujours des imbéciles ! » (Le Dindon).
– « Qu’est-ce que ça prouve, le mari ! Tout le monde peut être mari ! Il suffit d’être agréé par la famille… et d’avoir été admis au conseil de révision ! On ne demande que des aptitudes comme pour être employé de ministère, chef de contentieux. Tandis que pour l’amant, il faut l’au-delà. Il faut la flamme ! C’est l’artiste de l’amour. Le mari n’en est que le rond-de-cuir » (Le Dindon).
– « Quel dommage qu’on ne puisse pas avoir un amant sans tromper son mari ! » (La Main passe).
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Sur ce lien: Vintage par Michel
En 1983, V a fait ses débuts en tant que mini-série. Il raconte l’histoire de visiteurs extraterrestres qui arrivent sur Terre dans des vaisseaux mères; ils nous ressemblent, ils parlent comme nous et ils disent qu’ils sont de paix. Un groupe d’humains apprend leurs véritables projets – et leur peau de reptilienne dissimulée – et mène une résistance contre eux. Des années après la fin de cette série, je l’ai regardée sur DVD plusieurs fois avec ma sœur. En tant que jeune fan de science-fiction, j’ai adoré le concept.
En 2009, ABC a redémarré l’émission. Vingt-neuf vaisseaux mères descendent du ciel, et Anna ( Morena Baccarin ) annonce l’existence d’une vie extraterrestre au monde. Comme toujours , ils viennent en paix. La série suit l’agent du FBI Erica Evans ( Elizabeth Mitchell ), qui apprend la vérité sur les visiteurs dès le début et en recrute d’autres pour aider à mener une résistance méthodique contre Anna.
Bien qu’elle ait quelques lacunes, j’aime cette nouvelle incarnation de V. Malheureusement, elle a été annulée par ABC après sa deuxième saison. La finale de la saison deux n’a pas correctement conclu la série, car de nombreux intrigues étaient laissées en suspens. C’est toujours décevant lorsqu’une émission dans laquelle vous êtes investi est annulée avant que les scénaristes ne puissent la terminer.
J’ai revu V pendant que j’avais un peu de temps pendant cette pandémie, et il était tout à fait évident pour moi que cette émission méritait une conclusion appropriée. En regardant les longs métrages des coulisses des deux saisons, il est clair que les scénaristes ne savaient pas qu’ils seraient annulés. Ils se préparaient pour de nombreuses autres saisons. Cependant, il y avait aussi de grandes raisons pour lesquelles V n’était plus financièrement viable pour ABC; des décisions créatives ont été prises sur le pilote qui l’ont peut-être condamné dès le départ.
Ce qui rend V aussi fort qu’il est, à mes yeux, c’est que c’est une guerre entre deux mères. Alors qu’Erica travaille au sein du FBI et secrètement dans le groupe de résistance connu sous le nom de Cinquième Colonne, elle fait tout ce qu’elle peut pour protéger son fils Tyler ( Logan Huffman ). Anna, cependant, attire Tyler de plus en plus près d’elle. Elle a tiré les ficelles pour que Tyler tombe amoureux de sa fille, Lisa ( Laura Vandervoort ), dans le cadre de son plan directeur.
Au fur et à mesure que la série avance, cependant, vous voyez une intersection dans leurs arcs de caractères. Les V ne sont censés ressentir aucune émotion humaine, car Anna le perçoit comme une faiblesse évolutive. De son temps avec Tyler, Lisa développe des émotions humaines et est attirée par Erica en tant que figure maternelle qu’elle n’a pas. En raison de son amour pour les V, Tyler devient de plus en plus éloigné d’Erica et considère Anna comme davantage de sa famille. Dans le processus, il devient plutôt dépourvu d’émotion.
C’est à travers cela que la série explore ce qui nous rend fondamentalement humains. Qu’est-ce qui nous sépare des humains de tous les autres animaux de la planète? Comme le dit l’émission, c’est notre profonde capacité d’émotion; ressentir, faire preuve d’empathie et exprimer son amour. Cela nous rend plus puissants que les V ne pourraient jamais l’être, et c’est la vraie guerre qui se déroule.
V n’est pas un spectacle parfait. À le regarder cette fois-ci, une grande partie des dialogues se révèle plutôt maladroite et remplie d’expositions. Certains problèmes logistiques n’ont pas beaucoup de sens.
L’agent Evans et Kyle Hobbes, qui est l’homme le plus recherché du pays, travaillent ensemble dans la cinquième colonne, et la couverture d’Evans ne peut pas être soufflée. Alors pourquoi diable traîneraient-ils ensemble en public pour que quiconque puisse le voir, surtout quand le visage de Hobbes est partout dans les nouvelles? Pourquoi les V, qui ont une technologie très avancée, ont des drones qui ne capturent que des images infrarouges au lieu de capturer des séquences vidéo réelles, ce qui leur permet de ne pas connaître les visages des membres de la cinquième colonne? Pourquoi les V parlent-ils l’anglais en privé et non leur langue maternelle?
Il y a un tas de petites choses comme celle-ci qui enlèvent la vraisemblance de la série. C’est malheureux, car la série prend beaucoup de mesures pour ancrer la série dans le réalisme. Il adopte une approche postérieure au 11 septembre, Anna utilisant les médias pour peindre la Cinquième Colonne comme une organisation terroriste. À bien des égards, cela ressemble à ce qui se passerait dans notre monde réel si des extraterrestres descendaient sur nous de cette manière. Ensuite, il se passe quelque chose de petit qui n’a aucun sens et qui ruine le réalisme.
V construisait et construisait pendant deux saisons, révélant lentement tous ces détails qui commençaient tout juste à nous donner une idée de ce qu’est le plan directeur des V. Ensuite, le spectacle a été annulé sans aucune résolution. En fin de compte, V n’obtenait pas suffisamment de notes pour justifier le coût de sa fabrication, et c’était une émission coûteuse à faire. À l’époque, c’était l’une des plus grandes émissions d’effets visuels à la télévision.
Si vous regardez les fonctionnalités des coulisses, elles expliquent à quel point la série implique des infographies. Ce qui a finalement condamné le spectacle, je crois, est une décision créative qu’ils ont prise avec le pilote. Ils ont décidé qu’au lieu de construire des décors pratiques pour l’intérieur des vaisseaux mères, ou d’utiliser une combinaison de décors pratiques et de CGI, ils utiliseraient des écrans entièrement verts. Au moins la moitié de chaque épisode a lieu sur le vaisseau mère. Dans les caractéristiques, ils plaident en faveur de cette décision, principalement parce qu’elle leur a donné la flexibilité de visiter de nombreuses parties différentes du navire.
Je comprends la décision, mais ce que cela signifie, c’est que les coûts des effets visuels ont augmenté de façon exponentielle. S’ils avaient construit des ensembles pratiques au début et les avaient améliorés avec CGI, le coût serait principalement initial. Ils auraient ensuite ces ensembles à utiliser pour toute la série. Avec eux utilisant exclusivement des écrans verts, ils ont dû créer les mêmes lieux à chaque épisode et payer une somme d’argent extraordinaire pour animer ces scènes. Une fois que V a décidé d’aller avec tous les écrans verts, ce n’était pas quelque chose sur lequel ils pourraient revenir plus tard.
La quantité d’effets visuels dans la série l’a finalement coulé. Il est vrai que si l’émission avait eu beaucoup plus de téléspectateurs, le coût des effets aurait été justifié, mais le showrunner et les producteurs devaient être réalistes pour maintenir le coût des effets dans des limites raisonnables. Le spectacle est devenu plus cher à produire, et avec la taille et la portée du spectacle augmentant de façon exponentielle au cours de la deuxième saison, il est devenu clair qu’il n’allait pas être plus petit. Sans le temps de terminer correctement l’émission, ABC l’a annulée.
Les choses n’ont peut-être pas été différentes, mais je pense qu’il aurait pu y avoir une chance pour V d’avoir au moins une troisième saison pour tout conclure correctement si les coûts des effets avaient été réduits. Si le spectacle avait investi tôt dans des décors pratiques, de nombreux coûts ultérieurs auraient été considérablement atténués. L’émission n’a peut-être pas duré quatre ou cinq saisons comme le pensaient les scénaristes, mais elle leur a peut-être valu une troisième saison. Avec une troisième saison, sachant dès le début que ce serait la dernière, les scénaristes auraient pu créer une conclusion satisfaisante pour une émission qui a certainement des fans du monde entier.
V est une émission qui est sortie à une époque de transition à la télévision. Aujourd’hui, il y a beaucoup d’émissions qui ont le même budget que V , sinon même plus. Cependant, beaucoup de ces émissions sont sur des services de streaming, car avec les paiements mensuels entrant dans ces services, ils ont plus d’argent à dépenser en programmation que les stations de câble. V aurait prospéré en tant que série Netflix , mais comme elle est sortie sur ABC, elle n’était tout simplement pas durable.
J’espère qu’à un moment donné, nous reverrons V sous une forme ou une autre. Je pense que V fonctionnerait très bien en tant que film, puisque nous l’avons déjà vu à plusieurs reprises à la télévision. Là, vous auriez plus de ressources et la capacité de faire les effets correctement. En attendant que ce moment arrive, au moins nous avons la mini-série originale et le redémarrage de 2009 à regarder et à revoir.
VOICI MON CADEAU D’AUJOURD’HUI
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Synopsis
Sur la planète Ygam vivent les draags, une espèce d’humanoïdes mesurant douze mètres de haut. Ils ont atteint les plus hauts sommets de la connaissance. Leur existence s’écoule lentement, tout entière tournée vers la méditation.
Les enfants des draags raffolent de minuscules animaux familiers, les oms, ramenés d’une lointaine planète dévastée, Terra. Peu de draags envisagent les oms comme des créatures intelligentes, même s’ils sont doués d’une faculté d’adaptation certaine. Certains draags considèrent même cette espèce comme nuisible, car si les oms de luxe font la joie des petits, les spécimens qui s’échappent et retournent à l’état sauvage tendent à proliférer dans les parcs et volent des biens appartenant aux Draags.
Terr est un bébé dont la mère, une oms sauvage, meurt lorsque des enfants draags s’amusent. Tiwa, la fille de Sinh, est attendrie par le bébé et le recueille. Un collier est placé au cou de celui-ci . Le collier peut être activé par Tiwa, il ramène alors l’om à la manière d’un aimant.
Terr grandit, il devient un adolescent, alors que Tiwa reste une adolescente : le développement des draags est plus lent que celui des oms. Tiwa utilise un outil qui ressemble à un serre-tête, et qui permet d’apprendre toutes sortes de connaissances. Cet outil fonctionne aussi sur Terr, qui apprend ainsi l’écriture des draags.
Terr décide un jour de s’échapper. Il part avec le serre-tête. Lorsque Tiwa s’aperçoit de la disparition, elle active le collier. Terr est irrémédiablement attiré, mais une om sauvage le croise, et détache le collier avec un couteau. Elle le mène dans sa tribu, qui est établie dans l’arbre d’un parc draag abandonné.
Il se fait accepter par la tribu, et le serre-tête est utilisé par différents membres de la tribu, ce qui permet aux oms de progresser. Un jour, le parc est « désomisé ». Une partie des oms arrive à s’enfuir, mais deux draags les aperçoivent et se mettent à en écraser un certain nombre. Les oms réagissent, ils tuent un draag, l’autre s’enfuit. Les oms mettent le cap sur un entrepôt de fusées abandonné.
Quinze ans passent, les oms construisent des fusées, pour essayer de vivre sur la « Planète sauvage » en orbite autour de Ygam. Ils y arrivent et mettent en danger la civilisation draag, car cette planète est vitale à leur processus de méditation. Une paix est signée, et les deux civilisations vivent en harmonie.
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Dans ses premières années, le futur chef allemand rédige un opéra basé sur une œuvre inachevée de Wagner. Maintenant, le manuscrit musical est exposé pour la première fois.
Au-delà de la musique de Wagner, beaucoup pourraient être surpris d’apprendre que, quand il avait 20 ans, Adolf Hitler lui-même a écrit un opéra.
Wieland der Schmied (Wieland the Smith) a été rédigé par le futur leader allemand en 1908 et basé sur une œuvre inachevée du même nom du compositeur allemand Richard Wagner – son admiration pour qui est bien documentée.
Dans son premier volume de Mein Kampf, Hitler a écrit: «À l’âge de douze ans, j’ai vu… le premier opéra de ma vie, Lohengrin. En un instant, j’étais accro. Mon enthousiasme juvénile pour le maître de Bayreuth [Wagner] ne connaissait pas de limites. »
Maintenant, une feuille du manuscrit est exposée en Autriche dans une nouvelle exposition d’objets du début du Führer, montrant comment son passé a façonné son idéologie. Un croquis au piano de la première page a été réalisé par l’un des rares amis du jeune Hitler, August Kubizek.
L’exposition comprend des artefacts du début de la vie du leader national-socialiste, tous collectés entre 1907 et 1920 par Kubizek qui les a gardés comme souvenirs de sa propre jeunesse, avant de réaliser qu’ils pourraient avoir une importance historique.
D’autres objets incluent les premières peintures et croquis architecturaux d’Hitler, dont l’un d’un music-hall, et des lettres et des cartes postales écrites par Hitler à Kubizek.
En plus de documenter son histoire personnelle, l’exposition explore également le contexte politique et social en Autriche au tournant du XXe siècle.
Each two weeks,I will choice a great retro classic movie for you and will explain why I made this choice!
This week,my eyes turn on a great science fiction movie of the drive-in era: Voyage to the prehistoric planet,a 1965 movie!
In 2020, after the colonization of the moon, the spaceships Vega, Sirius and Capella are launched from Lunar Station 7. They are to explore Venus under the command of Professor Hartman, but an asteroid collides and explodes Capella. The leader ship Vega stays orbiting and sends the astronauts Kern and Sherman with the robot John to the surface of Venus, but they have problems with communication with Dr. Marsha Evans in Vega. The Sirius lands in Venus and Commander Brendan Lockhart, Andre Ferneau and Hans Walter explore the planet and are attacked by prehistoric animals. They use a vehicle to seek Kern and Sherman while collecting samples from the planet. Meanwhile John helps the two cosmonauts to survive in the hostile land.
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Cast: Basil Rathbone, Faith Domergue, John Bix
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Why I take this movie?Because the action is preview for…2020!
The next year!
Some pictures from the movie:
Chaque semaine,je vous présenterai un film que j’ai aimé et je vous dirai pourquoi!
Je commence donc cette semaine du 24 novembre 2019 par rien d’autre que Dune,un grand film de science fiction sorti en 1985.
DUNE
Pourquoi ce film?
Parce que ce film ,je l’ai vu dès sa sortie au cinéma…et j’avais été le revoir trois fois durant l’année 1985.J’ai tout de suite aimé ce film et il m’a de la vision spirituelle de Frank Herbert,l’écrivain génial qui fit germer cette oeuvre à grand succès!
Ce film m’a rapproché du Grand Intervenant: de Dieu …du spirituel!
Bon divertissement:
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Jusqu’en 1540, Venise avait tenté de freiner l’expansion ottomane dans l’est de la Méditerranée, puis, épuisé et désespéré, il instaura une paix humiliante avec Suleyman I. Son successeur, Selim II, était déterminé à acquérir l’avant-poste vénitien de Chypre. a refusé de céder l’île, elle l’a envahie en 1570. Venise a lancé un appel au pape Pie V, qui avait tenté depuis 1566 de former une alliance d’États catholiques romains. La France et le Saint Empire romain germanique étaient préoccupés par les profonds changements apportés par la Réforme. L’Espagne a offert de l’espoir, mais Philippe II, avec une trésorerie vide, a été confronté à des révoltes en Andalousie et aux Pays-Bas. Venise se méfiait aussi profondément de l’influence espagnole en Italie. Pie, cependant, était déterminé à entraîner l’alliance de l’Espagne, de Venise et des petits États italiens, mais il rencontra une série de retards. Venise souhaitait sauver Chypre; Philippe souhaitait acquérir Alger et Tunis; et toutes les parties ont discuté des contributions et des récompenses. Entre-temps, les Turcs s’étaient emparés de la ville de Nicosie à Chypre le 9 septembre 1570, avant d’assiéger la ville de Famagouste et d’entrer dans l’Adriatique. Ce n’est que le 25 mai 1571, que le pape pourrait persuader l’Espagne et Venise d’accepter les termes d’une alliance offensive et défensive. Don Juan de Austria, le jeune demi-frère de Philip, devait être commandant en chef et le général pontifical Marcantonio Colonna devait en être le lieutenant.
Sorti de sa mère, fille de bourgeois, très tôt, Juan fut élevé en secret en Espagne. Après la mort de Charles Quint, Philippe II d’Espagne le reconnaît comme son demi-frère, lui fournit une maison substantielle et lui donne le nom de Don Juan de Austria (1559).
Bien que l’on espère qu’il entrera dans l’église, le beau et animé Don Juan exprime le désir de se lancer dans une carrière militaire et Philip accède à ses souhaits. Au cours de l’été 1568, Don Juan eut sa première expérience de guerre, combattant des pirates maures en Méditerranée. En mars 1569, il fut nommé commandant en chef des forces espagnoles qui tentaient de maîtriser les rebelles moriscos, ou chrétiens d’origine mauresque, en Grenade. Philip l’a ensuite nommé en 1571 à la tête des forces navales de la Sainte Ligue d’Espagne, de Venise et du pape contre les Turcs ottomans dans l’est de la Méditerranée.
Les flottes alliées se sont rassemblées à Messine, en Sicile, dans l’attente des Espagnols jusqu’au 24 août 1571. Les flottes combinées ont navigué le 16 septembre pour Corfou, où elles ont appris que Famagouste était tombée et que la flotte turque se trouvait dans le golfe de Patraikos, près de Lepanto (Návpaktos moderne), en Grèce. Les ordres ont été donnés pour engager le 7 octobre. Les estimations de la force chrétienne varient légèrement; il y avait 6 gros galleasses vénitiens de 44 canons (bien plus grands que des galères), 207 galères propulsées par une rame (105 vénitiens, 81 espagnols, 12 papaux et 9 de Malte, Gênes et Savoie) transportant 30 000 soldats et quelques navires auxiliaires. La force turque aurait été plus nombreuse, mais moins bien équipée et moins disciplinée. Derrière les galleasses (utilisés pour semer la confusion préliminaire), la flotte chrétienne a avancé dans quatre escadrons. Don Juan commandait le centre; le vénitien Agostino Barbarigo, à gauche; L’amiral de Philip, Giovanni Andrea Doria, à droite; et l’espagnol Álvaro de Bazán, les marqués de Santa Cruz, la réserve. La flotte turque, initialement dans un croissant sur la baie, a adopté une formation similaire: Ali Pacha, le commandant, au centre; Mohammed Saulak, gouverneur d’Alexandrie, à droite; et Uluch Ali, pacha d’Alger, à gauche.
Dans l’histoire de la guerre navale, Lépante marque le dernier engagement majeur dans le monde occidental à se dérouler presque entièrement entre des navires à rames, à savoir les galères et les galeasses, descendants directs d’anciens navires de guerre trirèmes. La bataille était essentiellement une « bataille d’infanterie sur des plates-formes flottantes ». Ce fut la plus grande bataille navale de l’histoire occidentale depuis l’antiquité classique, impliquant plus de 400 navires de guerre. Au cours des décennies suivantes, l’importance croissante du galion et de la tactique de ligne de bataille déplaceraient la galère en tant que navire de guerre majeur de son époque, marquant le début de « l’âge de la voile ».
Le résultat de la bataille était décidé dans le centre allié et à gauche, où une force vénitienne dirigée par Sebastian Venier fournissait un soutien crucial. Les vaisseaux amiraux des deux flottes s’affrontaient directement, et le Sultana d’Ali Pasha visait le Real de Don Juan avec une attaque à la traîne qui transformait les ponts des deux navires en un seul champ de bataille. Après des heures de combats acharnés, le centre ottoman s’est effondré lorsque Ali Pacha a été tué et que la Sultane a été emmenée par le Real. La victoire des chrétiens fut presque évitée à la fin de la bataille lorsque Uluch Ali, en menaçant de contourner l’escadron de Doria, l’entraîna vers le large puis pénétra dans le vide ainsi formé. La force maltaise a été la plus touchée par l’attaque et a subi d’énormes pertes, mais le désastre a été évité grâce à l’intervention opportune de Santa Cruz.
Bien que les morts de chaque côté aient été estimés à 8 000 environ, la victoire chrétienne a été complète. Les alliés ont capturé 117 galères et plusieurs milliers d’hommes, libéré environ 15 000 chrétiens en esclavage et coulé ou brûlé environ 50 galères. Ils ont perdu 12 galères et ont fait environ 8 000 blessés, dont Miguel de Cervantes. La bataille était remarquable en tant que dernier et plus grand engagement avec des navires propulsés par une rame et en tant que première grande victoire sur une flotte turque.
La nouvelle parvint à Pie V tôt le 22 octobre et, ce matin-là, il proposa une action de grâce dans la basilique Saint-Pierre et exprima ses espoirs de réussite. Les querelles entre les alliés ont toutefois frustré ses ambitions. Pie V mourut en 1572 et Venise fit la paix en 1573, cédant Chypre aux Turcs. Ainsi, la bataille n’a eu que peu d’impact durable sur l’extension de l’Empire ottoman, mais elle a eu un effet considérable sur le moral de l’Europe. Elle a fait l’objet de peintures de Titian, Tintoretto et Veronese et d’une ballade de GK Chesterton.
La bataille de Lépante dans l’art
Les monnaies de l’époque
L’héritage de la bataille de Lépante
On dit souvent que la bataille de Lépante est la dernière grande bataille de galères de l’histoire. Paradoxalement, la galère continue d’être largement utilisée aux XVIIe et XVIIIe siècles, notamment en Méditerranée et dans la Baltique. Il faut distinguer les galères de ce siècle avec celles utilisées par les Grecs, Carthaginois et Romains durant l’Antiquité. Ces dernières étaient plus grandes et disposaient de plusieurs rangs superposés de rameurs. Les galères du Moyen-Age et des siècles suivants sont plus petites, entre 40 et 50 mètres environ. Elles sont plates, longues, étroites et ont un faible tirant d’eau. Elles marchent à la voile et à l’aviron. Elles portent deux mats à antennes et de l’artillerie – cinq ou six canons seulement – à leurs seules extrémités, et principalement à l’avant car la galère est une arme offensive !
Andries van Eertvelt,le grand peintre de cette bataille à l’époque
Andries van Eertvelt semble très marqué et inspiré par la bataille de Lépante, bataille navale se déroulant le 7 octobre 1571 près du Golfe de Patras, en Grèce.
Il est bien difficile aujourd’hui de s’imaginer ce que fut la bataille de Lépante, probablement la plus grande bataille navale de l’histoire européenne. Les forces en présence sont incroyables pour l’époque : plus de 60.000 hommes. D’un coté la Sainte Ligue chrétienne – coalition comprenant l’Espagne, Venise, la Papauté, Gênes, la Savoie et les Chevaliers de Malte – et ses 200 galères menées par Juan d’Autriche, de l’autre 220 à 240 galères de l’Empire Ottoman – de plus en plus expansionniste à l’Ouest – commandée par Ali Pacha. Après plus de cinq heures de combat, les pertes sont énormes : plus de 25.000 morts et deux fois plus de blessés. Bien que les conséquences tactiques de la bataille soient limitées, Lépante est une immense victoire chrétienne et son retentissement est considérable en Europe.
De nombreuses représentations de la bataille sont réalisées aux XVe et XVIe siècles par des artistes européens de toutes nationalités. Il faut dire que ce type de peinture est alors très demandé. Eertvelt en exécute d’ailleurs plusieurs. La plus fameuse est probablement Navires en perdition (voir ci-dessous), réalisée en 1623. On peut y voir à droite un navire turc en train de couler, tandis que son équipage grimpe sur l’arrière ou se jette à la mer. Plus à l’avant plan un autre navire sombre sur des récifs. A gauche on remarque un grand navire avec un nombreux équipage qui porte sur le pont d’avant la signature et la date. Plus en arrière, l’inscription : God sij met ons allen, anno 1523 (Dieu soit avec nous). Sur la mer houleuse on peut distinguer plus loin plusieurs autres navires. L’un d’eux porte un pavillon hollandais, ce qui est étonnant étant donné que la marine néerlandaise n’a pas pris part à la bataille.
Même après son retour d’Italie, qui marque nous l’avons dis une certaine rupture dans ses œuvres, Eertvelt continue de peindre les combats de Lépante, ce qui traduit encore une fois la continuelle et forte demande pour les représentations de cette bataille, même plus de cinquante ans après l’événement. Par exemple :
On ne peut que constater le changement de style de l’artiste. Ainsi que nous l’avons vu, les couleurs sont moins sombres, la mer moins agitée. Les navires sont cependant plus nombreux, les combats plus furieux. L’immense quantité de navires et l’intensité des combats représentés dans cette peinture sont sans précédent et révèlent un spectacle à la fois impressionnant et terrifiant. Ici encore Eertvelt a inclut dans son œuvre des navires battant pavillon hollandais. On pourrait également a priori s’étonner de la présence de grands navires – dotés d’une artillerie latérale contrairement à la galère qui porte son artillerie en chasse – ressemblant étrangement à des vaisseaux de ligne (en bas à droite notamment). En vérité, Eertvelt a probablement voulu représenter les galéasses vénitiennes – six sont présentes à Lépante – sorte de super-galères plus grandes, plus hautes et mieux armées car effectivement dotées d’une artillerie latérale.
L’œuvre peint de Balthus est relativement peu abondant et figuratif, et se réparti en deux grands thèmes des paysages (dont le fameux paysage dit de « Larchant 1939 » qui sont « inertes et calmes » suivant le mot d’Antonin Artaud , des portraits et quelques scènes de genre (La Rue, 1933 – MoMA NY) où figure une citation directe de Picasso ; peintures qui puent « la mort, la peste et les épidémies ». Dans une première partie de sa carrière, jusqu’aux années 1950, son œuvre est profondément marqué par Courbet et Géricault avec une texture ample et des couleurs sombres, puis, dans une seconde partie, son œuvre est marqué par des textures plâtreuses avec de nombreuses citations de la Renaissance et de Piero della Francesca en particulier.
L’artiste a réalisé durant sa vie trois cents peintures environ, dont beaucoup ne sont pas datées.
Artiste méticuleux — certains tableaux nécessitant plusieurs années pour être achevés et après de nombreuses études préparatoires —, Balthus est resté célèbre pour ses tableaux de jeunes filles nubiles, souvent peintes dans des poses ambiguës, jouant sur l’idée de l’innocence perdue à l’adolescence.
« Je vois les adolescentes comme un symbole. Je ne pourrai jamais peindre une femme. La beauté de l’adolescente est plus intéressante. L’adolescente incarne l’avenir, l’être avant qu’il ne se transforme en beauté parfaite. Une femme a déjà trouvé sa place dans le monde, une adolescente, non. Le corps d’une femme est déjà complet. Le mystère a disparu. »
« La meilleure façon de commencer est de dire, Balthus est un peintre dont on ne sait rien. Et maintenant, regardons les peintures », telle est la réponse laconique que le peintre adresse à la Tate Gallery, qui en 1968, organisant une exposition de ses œuvres, souhaitait également agrémenter le catalogue de quelques éléments biographiques.
Le Roi des chats — titre d’un de ses autoportraits peint à 27 ans — a en effet toujours souhaité s’entourer d’une aura de mystère, ce qui a sans aucun doute contribué à occulter sa personnalité et son œuvre aux yeux du grand public.
Dans ce tableau, le peintre, en pied et le corps déformé, peint sur un fond ocre jaune. À sa gauche un chat se frotte à ses jambes trop longues, alors que sur un tabouret à sa droite repose un fouet sous lequel est écrit en anglais « The portrait of H.M, the King of Cats painted by Himself, MCMXXXV5 ». « Son auto-portrait est à la fois ironique, teinté de comique, d’emphase mélodramatique et de solennité » et décrit l’art de Balthus comme « celui qui laisse ses sujets en paix mais qui veut inquiéter le spectateur », par une étrangeté explorant rêveries et pulsions secrètes plus ésotériques qu’érotiques.
[c NATIONAL GALLERY VICTORIA, MELBOURNE, AUSTRALIA/BRIDGEMAN]
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