Photo du jour: un trésor d’un million de dollars en pièces d’or celtiques découvert en Angleterre

 

Un ornithologue britannique a découvert un trésor d’anciennes pièces de monnaie celtiques plus tôt cette année, révélant son incroyable découverte dans une interview de Noël avec le magazine Treasure Hunting.

« Ce soir-là, je faisais un peu d’observation des oiseaux », a déclaré l’homme chanceux, qui est dans la cinquantaine. « Après avoir assisté à un combat aérien entre une buse et une paire de pies, j’ai regardé vers le bas et j’ai repéré quelque chose gisant dans un peu du sol labouré profond qui courait autour du bord du champ .

L’ornithologue savait que sa découverte avait une grande valeur historique presque immédiatement. Il a choisi de rester anonyme.

« J’ai vu le reflet de l’or et j’ai réalisé que c’était un beau stateur d’or celtique, ce qui m’a fait m’asseoir sous le choc », a déclaré l’homme. « J’ai ensuite repéré la deuxième pièce à deux mètres de moi et je me suis précipité chez moi pour récupérer mon [détecteur de métaux].

Le détective décrit creuser dix-huit pouces de profondeur avant de trouver un ancien pichet. En versant le récipient, un flot de pièces d’or a coulé de sa bouche, dans une vue que le chercheur appelle « une vision qui restera avec moi pour le reste de ma vie».

Le chasseur de trésors involontaire a informé un douanier de sa découverte, conformément à la loi britannique régissant la découverte d’antiquités historiques. Les évaluateurs estiment que la valeur du trésor est de l’ordre d’un million de dollars, soit 845 000 £. Les 1300 pièces d’or trouvées dans la découverte peuvent battre le record précédent de pièces celtiques trouvées dans un trésor.

L’heureux trouveur a choisi de rester anonyme. L’analyse du trésor suggère que les pièces ont été frappées à l’époque où l’Empire romain a incorporé la Grande-Bretagne en tant que province, au cours de laquelle de nombreuses tribus celtiques se sont battues contre les étrangers romains, y compris Jules César lui-même.

Les peuples celtiques ont principalement habité les îles britanniques pendant des milliers d’années, de la préhistoire de l’île à l’époque où la Grande-Bretagne était une province romaine. L’influence celtique se reflète toujours principalement en Ecosse, au Pays de Galles, en Cornouailles et en Irlande, le riche héritage culturel des Celtes persistant également en Angleterre.

 

 

 

 

Histoire et numismatique:La naissance de l’homme nouveau

Ecole centrale italienne du XIIIe siècle
Vierge à l’enfant avec saint Pierre et un apôtre
Tempera sur toile, posée sur panneau
Le tableau actuel représente la Vierge Lactane intronisée. Le Christ enfant est montré tenant un rouleau dans sa main gauche. Derrière eux, à une échelle beaucoup plus petite que le groupe au premier plan, se trouvent un saint apôtre non identifié tenant également un rouleau, et Saint Pierre avec son attribut caractéristique, les clés. Cette peinture raffinée appartient à un type de production dévotionnelle dérivée du style abstrait, hiératique, byzantin, dans lequel il est cependant possible de noter, contrairement à la rigidité typiquement fixe de la Vierge, un plus grand degré d’animation dans les expressions de les apôtres à ses épaules. 
La Vierge allaitante, Vierge Lactans ou Madonna Lactans, est une iconographie de la Vierge à l’Enfant dans laquelle la Vierge Marie est représentée en train d’allaiter l’enfant Jésus.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 


Pendant que Jésus parlait,
une femme de la foule l’a appelé et lui a dit:
«Béni soit l’utérus qui t’a porté
et les seins que tu as nourris.»
Il a répondu: «Bienheureux sont ceux
qui entendent la parole de Dieu et l’observent.»

Luc 11: 27-28


Il est l’image du Dieu invisible, le premier-né de toute création. Car par lui toutes choses ont été créées, au ciel et sur terre, visibles et invisibles.

Paul l’Apôtre considérait la naissance de Jésus comme un événement d’importance cosmique qui a engendré un «homme nouveau» qui a réparé les dommages causés par la chute du premier homme, Adam. La perspective paulinienne met l’accent sur la naissance d’un homme nouveau et d’un nouveau monde avec la naissance de Jésus.

La source la plus ancienne indiquant le 25 décembre comme date de naissance de Jésus était Hippolyte de Rome, l’un des théologiens chrétiens les plus importants du deuxième-troisième siècle, basée sur l’hypothèse que la conception de Jésus a eu lieu à l’équinoxe de printemps qu’il a placé en mars 25, puis ajouté neuf mois. Il existe des preuves historiques qu’au milieu du IVe siècle, les églises chrétiennes d’Orient ont célébré la naissance et le baptême de Jésus le même jour, le 6 janvier, tandis que celles de l’Ouest ont célébré une fête de la Nativité le 25 décembre (peut-être sous l’influence le solstice d’hiver); et que par le dernier quart du 4ème siècle, les calendriers des deux églises comprenaient les deux fêtes.

Le XIIIe siècle a été témoin d’un tournant dans le développement d’une nouvelle «image tendre de Jésus» dans le christianisme, alors que les franciscains ont commencé à souligner l’humilité de Jésus à la fois à sa naissance et à sa mort. La construction de la scène de la Nativité par Saint François d’Assise a contribué à dépeindre une image plus douce de Jésus qui a souligné comment Dieu avait pris un chemin humble vers sa propre naissance. Alors que la peste noire a rasé l’Europe médiévale, les franciscains et les dominicains ont aidé les fidèles à faire face aux tragédies. Un élément de l’approche franciscaine était l’accent mis sur l’humilité de Jésus et la pauvreté de sa naissance: l’image de Dieu était l’image de Jésus, non pas un Dieu sévère et punissant, mais lui-même humble à la naissance et sacrifié à la mort.

Au Moyen Âge, les classes moyennes et supérieures contractaient généralement l’allaitement maternel pour nourrir leurs enfants, et la représentation de la Vierge allaitante était liée à la Madone de l’humilité, une représentation qui montrait la Vierge dans des vêtements ordinaires. L’apparition de nombreuses représentations de ce type en Toscane au début du 14ème siècle était en quelque sorte une révolution visuelle pour la théologie de l’époque. Après le Concile de Trente au milieu du XVIe siècle, les écrivains cléricaux ont découragé la nudité dans les sujets religieux, et l’utilisation de l’iconographie de Madonna Lactans a commencé à s’estomper.

La représentation de la Madonna lactans est mentionné par le pape Grégoire le Grand, et une représentation en mosaïque probablement du 12ème siècle est sur la façade de Santa Maria in Trastevere à Rome, bien que peu d’autres exemples survivent avant la fin du Moyen Âge.

Saint-Grégoire Le Grand
pape ,miniature du XIII ième siècle

Alors que les XVe et XVIe siècles ont été une époque où les peintres italiens ont élargi leur répertoire pour inclure des événements historiques, des portraits indépendants et des sujets mythologiques, le christianisme a conservé une forte emprise sur leur carrière. La plupart des œuvres d’art de cette époque sont sacrées. Alors que la gamme des sujets religieux comprenait des sujets de l’Ancien Testament et des images de saints dont les cultes datent après la codification de la Bible, la Madone est restée un sujet dominant dans l’iconographie de la Renaissance.

Certains des peintres italiens les plus éminents du XVIe siècle à se tourner vers ce sujet étaient Léonard de Vinci, Michel-Ange, Raphaël, Giorgione, Giovanni Bellini et Titien. Ils se sont développés sur les bases d’images mariales du XVe siècle de Fra Angelico, Fra Filippo Lippi, Mantegna et Piero della Francesca en particulier, parmi d’innombrables autres.

Le plus grand accent sur toutes ces représentations est resté dans le lien maternel, même si d’autres sujets, notamment l’Annonciation, puis l’Immaculée Conception, ont conduit à un plus grand nombre de tableaux représentant Marie seule, sans son fils. La tendresse qu’une mère ordinaire pourrait ressentir envers son enfant bien-aimé est capturée, évoquant le moment où elle a tenu pour la première fois son fils Christ.
 


PIÈCES RELIÉES  AU SUJET

TESTONE INNOCENT XI DES ÉTATS PAPAUX UNE PIÈCE PAPALE I TRÈS RARE
INNOCENT XI / INNOCENZO XI , 1676-1689
Prix de vente en 2020:600 euros

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Empire Romain d’Orient
Romanus III Argyrus AV histamenon nomisma – Christ et Vierge couronnant l’empereur
Vierge Marie à droite, et Romanus, barbu à gauche, tous deux debout face à face; nimbate Virgin porte du pallium et du maphorium, et avec sa main droite couronne Romanus, qui porte des saccos et des loros, et tient globus cruciger dans la main gauche; soulignait MΘ entre leurs têtes.Évalué à $2,100 dollars can

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Pièce de monnaie, Hongrie, Maria Theresia, 15 Krajczar, 1745, Kremnitz«  Argent
Prix environ $70 can
Piàce portée comme bijoux dans le passé.

 

 

 

 

 

 

 

 

Médaille
1880 Allemagne – Sanctuaire des Trois Rois à la cathédrale de Cologne par Gottfried Drentwett (signé: DRENTWETT, .DIR. – KAMMERER, FEC). Avers: ANBETUNG DER HL. DREI KONIGE / DOMBILD ZU COLN. – Vierge Marie assise sur le trône, bébé Jésus dans les bras, entourée des trois rois et témoins. Revers: DER DOM ZU KOLM BEGONNEN 1248, VOLLENDET 1880 – Vue de la cathédrale. VF, Bronze, 50,45 mm, bord lisse uni, quelques petites bosses sur la jante.
Prix:$150 can

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Empire byzantin, vers 8ème – 9ème siècle après JC
Une croix reliquaire pectorale en bronze fin mesurant 84 x 45 mm. Représenté sur le visage est la Vierge Orans, ou debout face avec les mains levées et vêtu d’une longue robe. Sous elle se trouve la figure en robe pleine longueur de Saint George et de chaque côté de plus petits bustes en robe des apôtres Jean et Pierre. Une seule inscription d’une ligne ci-dessus est soit un dialecte local, soit simplement une erreur, mais qui a l’intention de signifier « All Hallowed ». Un superbe exemple et finement gravé avec quelques adhérences sur la surface intérieure et présentant une jolie patine.
La tradition ou les reliques ont été popularisées par Hélène qui, en tant que mère de Constantin le Grand et avec un financement impérial, s’est lancée dans un pèlerinage en Terre Sainte en 326 après JC. C’est au cours de ce voyage qu’elle a ramené de nombreuses reliques, dont une croix qu’elle croyait être la même sur laquelle Jésus avait été crucifié. Plus tard, il est devenu populaire d’obtenir de petits fragments de bois, d’os, de peau et d’autres objets dont on pense qu’ils provenaient ou étaient en association avec Jésus, un apôtre, un saint ou une autre figure biblique. Ces fragments étaient fréquemment enfermés à l’intérieur de ces croix de bronze, scellés et portés par les fidèles.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Hongrie,1744,Maria Theresa, 1740-1780. AR Taler, 1742 Ko. Kremnitz-Kormoczbanya.
Obv: Grand jeune buste à droite en tant que reine de Hongrie.
eRv. Debout radieuse Madonna and Child, titre se terminant PATRONA HUNG:.
Dav.1125B, KM 328.2. Poids 28,63 g
Classe. VF, marques de réglage au dos.Prix:$335 can

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 


AUTRES PIÈCES ARTISTIQUES ET ÉVALUATIONS

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

L’image de la Vierge Marie allaitant l’enfant Jésus est connue sous le nom de Madonna Lactans, du latin pour le lait et la tétée; le terme grec le moins connu est  Galactotrofousa. Cette représentation a été utilisée dans certains des premiers arts chrétiens et peut avoir été partiellement inspirée des abondantes images de l’Égypte ancienne de la déesse Isis soignant Horus, comme celle-ci.

 

Isis Suckling Horus, statuette en bronze, 1070–656 av.J.-C., Égypte, maintenant au Musée des beaux-arts de Boston

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Bien que probablement basée sur des images païennes de la divinité, l’image de Jésus allaitant à la poitrine de sa mère souligne son humanité tout en soulignant le rôle exalté de Marie en tant que Mère de Dieu. Pour les catholiques, cela révèle l’importance charnelle de l’incarnation du Fils de Dieu. Tout comme le Christ reçoit sa nourriture terrestre du corps de sa mère Marie, de même nous recevons notre nourriture spirituelle de son corps et de son sang dans l’Eucharistie. Le lait de la Vierge signifie le sang du Christ sur la croix et dans l’Eucharistie. Pour en savoir plus sur cette idée, lisez cet article .

Faites une recherche sur Google et vous verrez des centaines d’images de la Madonna Lactans, mais aujourd’hui, je n’ai choisi que quelques-unes de mes préférées. La première image est la plus ancienne connue de la catacombe de Priscilla et remonte à environ le 3ème siècle. Bien que fragmentaire, vous pouvez toujours voir clairement l’iconographie qui resterait assez constante pour cette image de dévotion, avec l’enfant Jésus se retournant pour regarder le spectateur pendant l’allaitement de Marie.

 

Marie qui allaite Jésus, ca. 3e s., Catacombes de Priscille, Rome

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Jan Van Eyck est un autre de mes préférés. Une fois de plus, nous voyons la Vierge Marie allaiter. Assurez-vous de cliquer sur l’image pour voir la version agrandie, où vous pourrez examiner de plus près les splendides tissus et détails de Van Eyck.

Lucca Madonna, Jan van Eyck, 1437, huile sur panneau, Städelsches Kunstinstitut, Francfort

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Sur le site Web du musée  :

«La Madone de Lucques a servi son mécène inconnu comme moyen de dévotion privée. Le tableau emmène intelligemment le spectateur dans la pièce représentée, le faisant participer à la situation intime affectueusement rendue. Cette impression est créée par la manière particulière dont l’artiste a configuré l’espace: comme les murs de chaque côté et le plafond voûté, le carrelage et le tapis semblent se prolonger du côté du spectateur de la surface de l’image. L’effet est accentué par la description picturale suggestive des différents matériaux et surfaces – la peau, les cheveux, le tissu, le tapis, les murs, le verre, l’eau, le métal, les carreaux et le bois.

Aussi naturelle qu’elle soit, la scène regorge également de références symboliques. Le fruit dans la main de l’enfant du Christ, par exemple, fait allusion à la chute de l’homme, dont les conséquences sont surmontées par l’incarnation de Dieu. Le trône avec ses décorations de lion symbolise non seulement le siège du jugement du roi Salomon, proverbialement juste, un ancêtre du Christ, mais aussi le jugement dernier. Déjà célèbre de son vivant, Jan van Eyck – peintre de la cour des ducs de Bourgogne – mourut en 1441. Il avait peint la «Lucca Madonna» quelques années plus tôt, une œuvre dont la maîtrise et la cohérence du concept et de l’exécution nous trouvent toujours captivant à ce jour. D’ailleurs, le nom sous lequel le tableau est connu remonte à l’un de ses précédents propriétaires: au XIXe siècle, il était en possession du duc de Lucques en Toscane.

Le tableau suivant me semble tellement bizarre que je devais simplement l’inclure. On se demande si l’artiste avait déjà vu un vrai sein ou s’il avait des secrets de chirurgie plastique au XVe siècle en France! Sérieusement cependant, j’aime la façon dont la blancheur peinte de la peau fait apparaître Marie et Jésus comme des statues de marbre et contraste si joliment avec les anges rouges et bleus. Notez comment Fouquet a peint des zones brillantes sur les anges comme si elles reflétaient la lumière de la mère lumineuse et de l’enfant divin.

 

Vierge entourée de séraphins et chérubins, Jean Fouquet, 1452, huile sur panneau, Musée Royal des Beaux-Arts d’Anvers, Belgique

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Voici ce que dit le musée de cette image plutôt surréaliste:

«Ce tableau est le joyau de la couronne de la collection du Musée royal. Bien que moderne, il a été réalisé par le peintre de la cour française  Jean Fouquet dès 1452. Il a été commandé par Etienne Chevalier, trésorier du roi français Charles VII. La Vierge Marie est représentée ici comme la Reine du Ciel, avec l’enfant Jésus sur ses genoux. Les anges bleus et rouges derrière son trône richement décoré contrastent fortement avec la pâleur de Marie et de son enfant.
On pense qu’Agnès Sorel, la maîtresse de Charles VII, a modelé pour la Vierge. Elle est habillée selon la mode du jour. Sa cape et sa ligne de cheveux épilée soulignent son éminence. La taille lacée accentue sa poitrine dénudée et confère à la composition un caractère presque érotique. Cependant, ce n’était certainement pas l’intention de Fouquet lorsqu’il a réalisé le tableau il y a plusieurs siècles. C’était tout simplement un rendu de la Vierge Lactane, ou de la vierge allaitante. Elle était censée souligner le statut mondain de Jésus en montrant que lui, comme tous les autres enfants, était allaité par sa mère. Les couleurs des anges ne sont probablement pas une coïncidence. On pense que les trois chérubins bleus représentent la pureté et l’air, tandis que les six séraphins rouges symbolisent l’amour et le feu. En y regardant de plus près, il semble qu’un seul groupe d’anges touche réellement le trône de Marie.

 

Je n’ai trouvé aucune autre information sur cette adorable figurine en ivoire. Ici, nous voyons Jésus comme un enfant en bas âge, debout avec impatience sur les genoux de Marie et allaitant pour tout ce qu’il vaut! Bien que sa tête ne soit pas tournée vers nous, notez le petit pied sous un angle non naturel, indiquant qu’il est bien conscient de nous.

 

 

Vierge Lactans, sculpteur français anonyme, figurine en ivoire

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

L’image de la Madone Lactans est restée populaire jusqu’à ce que le Concile de Trente décourage toute représentation de la nudité au XVIe siècle. Il est intéressant de noter que cette préoccupation concernant la nudité peut avoir été provoquée par la création de la presse à imprimer. Dans un article de 2012 , l’auteur David Gibson écrit:

«Avec l’avènement du type mobile, disent les historiens, est venue la capacité de la pornographie de masse, qui a favorisé la sexualisation du corps des femmes dans l’imaginaire populaire. De plus, la presse à imprimer a permis une plus large diffusion de dessins anatomiques à des fins médicales, ce qui a contribué à son tour à la démystification du corps. Les deux ont miné la vision traditionnelle du corps en tant que reflet du divin. 

L’autre conséquence majeure de cette nouvelle technologie, bien sûr, a été la commercialisation de masse de la Bible et la montée d’un protestantisme qui a encouragé une concentration sur le texte des Écritures et découragé l’utilisation d’images et de pratiques «catholiques» comme la dévotion à la Vierge Marie et les saints.

Le changement culturel a été si grand que même les catholiques en sont venus à considérer le sein comme une image «inappropriée» pour les églises. Au lieu de cela, le sacrifice de la croix – le Jésus souffrant – est devenu le motif dominant du christianisme tandis que la Nativité était aseptisée en une carte Hallmark.

L’importance est le fait que Jésus Christ est né sur cette planète…son ascendance est d’un « autre monde ou univers »…mais demeure le fait qu’il est mort pour nous  et que son message  peut facilement unir les peuples contre la tyrannie du Nouvel Ordre Mondial!

 

 

Numismatique et histoire : Octobre 1571,La bataille de Lépante

 

 

La célèbre toile

 

Jusqu’en 1540, Venise avait tenté de freiner l’expansion ottomane dans l’est de la Méditerranée, puis, épuisé et désespéré, il instaura une paix humiliante avec Suleyman I. Son successeur, Selim II, était déterminé à acquérir l’avant-poste vénitien de Chypre. a refusé de céder l’île, elle l’a envahie en 1570. Venise a lancé un appel au pape Pie V, qui avait tenté depuis 1566 de former une alliance d’États catholiques romains. La France et le Saint Empire romain germanique étaient préoccupés par les profonds changements apportés par la Réforme. L’Espagne a offert de l’espoir, mais Philippe II, avec une trésorerie vide, a été confronté à des révoltes en Andalousie et aux Pays-Bas. Venise se méfiait aussi profondément de l’influence espagnole en Italie. Pie, cependant, était déterminé à entraîner l’alliance de l’Espagne, de Venise et des petits États italiens, mais il rencontra une série de retards. Venise souhaitait sauver Chypre; Philippe souhaitait acquérir Alger et Tunis; et toutes les parties ont discuté des contributions et des récompenses. Entre-temps, les Turcs s’étaient emparés de la ville de Nicosie à Chypre le 9 septembre 1570, avant d’assiéger la ville de Famagouste et d’entrer dans l’Adriatique. Ce n’est que le 25 mai 1571, que le pape pourrait persuader l’Espagne et Venise d’accepter les termes d’une alliance offensive et défensive. Don Juan de Austria, le jeune demi-frère de Philip, devait être commandant en chef et le général pontifical Marcantonio Colonna devait en être le lieutenant.

Sorti de sa mère, fille de bourgeois, très tôt, Juan fut élevé en secret en Espagne. Après la mort de Charles Quint, Philippe II d’Espagne le reconnaît comme son demi-frère, lui fournit une maison substantielle et lui donne le nom de Don Juan de Austria (1559).

Bien que l’on espère qu’il entrera dans l’église, le beau et animé Don Juan exprime le désir de se lancer dans une carrière militaire et Philip accède à ses souhaits. Au cours de l’été 1568, Don Juan eut sa première expérience de guerre, combattant des pirates maures en Méditerranée. En mars 1569, il fut nommé commandant en chef des forces espagnoles qui tentaient de maîtriser les rebelles moriscos, ou chrétiens d’origine mauresque, en Grenade. Philip l’a ensuite nommé en 1571 à la tête des forces navales de la Sainte Ligue d’Espagne, de Venise et du pape contre les Turcs ottomans dans l’est de la Méditerranée.

Les flottes alliées se sont rassemblées à Messine, en Sicile, dans l’attente des Espagnols jusqu’au 24 août 1571. Les flottes combinées ont navigué le 16 septembre pour Corfou, où elles ont appris que Famagouste était tombée et que la flotte turque se trouvait dans le golfe de Patraikos, près de Lepanto (Návpaktos moderne), en Grèce. Les ordres ont été donnés pour engager le 7 octobre. Les estimations de la force chrétienne varient légèrement; il y avait 6 gros galleasses vénitiens de 44 canons (bien plus grands que des galères), 207 galères propulsées par une rame (105 vénitiens, 81 espagnols, 12 papaux et 9 de Malte, Gênes et Savoie) transportant 30 000 soldats et quelques navires auxiliaires. La force turque aurait été plus nombreuse, mais moins bien équipée et moins disciplinée. Derrière les galleasses (utilisés pour semer la confusion préliminaire), la flotte chrétienne a avancé dans quatre escadrons. Don Juan commandait le centre; le vénitien Agostino Barbarigo, à gauche; L’amiral de Philip, Giovanni Andrea Doria, à droite; et l’espagnol Álvaro de Bazán, les marqués de Santa Cruz, la réserve. La flotte turque, initialement dans un croissant sur la baie, a adopté une formation similaire: Ali Pacha, le commandant, au centre; Mohammed Saulak, gouverneur d’Alexandrie, à droite; et Uluch Ali, pacha d’Alger, à gauche.

Dans l’histoire de la guerre navale, Lépante marque le dernier engagement majeur dans le monde occidental à se dérouler presque entièrement entre des navires à rames, à savoir les galères et les galeasses, descendants directs d’anciens navires de guerre trirèmes. La bataille était essentiellement une « bataille d’infanterie sur des plates-formes flottantes ». Ce fut la plus grande bataille navale de l’histoire occidentale depuis l’antiquité classique, impliquant plus de 400 navires de guerre. Au cours des décennies suivantes, l’importance croissante du galion et de la tactique de ligne de bataille déplaceraient la galère en tant que navire de guerre majeur de son époque, marquant le début de « l’âge de la voile ».

Le résultat de la bataille était décidé dans le centre allié et à gauche, où une force vénitienne dirigée par Sebastian Venier fournissait un soutien crucial. Les vaisseaux amiraux des deux flottes s’affrontaient directement, et le Sultana d’Ali Pasha visait le Real de Don Juan avec une attaque à la traîne qui transformait les ponts des deux navires en un seul champ de bataille. Après des heures de combats acharnés, le centre ottoman s’est effondré lorsque Ali Pacha a été tué et que la Sultane a été emmenée par le Real. La victoire des chrétiens fut presque évitée à la fin de la bataille lorsque Uluch Ali, en menaçant de contourner l’escadron de Doria, l’entraîna vers le large puis pénétra dans le vide ainsi formé. La force maltaise a été la plus touchée par l’attaque et a subi d’énormes pertes, mais le désastre a été évité grâce à l’intervention opportune de Santa Cruz.

Bien que les morts de chaque côté aient été estimés à 8 000 environ, la victoire chrétienne a été complète. Les alliés ont capturé 117 galères et plusieurs milliers d’hommes, libéré environ 15 000 chrétiens en esclavage et coulé ou brûlé environ 50 galères. Ils ont perdu 12 galères et ont fait environ 8 000 blessés, dont Miguel de Cervantes. La bataille était remarquable en tant que dernier et plus grand engagement avec des navires propulsés par une rame et en tant que première grande victoire sur une flotte turque.

La nouvelle parvint à Pie V tôt le 22 octobre et, ce matin-là, il proposa une action de grâce dans la basilique Saint-Pierre et exprima ses espoirs de réussite. Les querelles entre les alliés ont toutefois frustré ses ambitions. Pie V mourut en 1572 et Venise fit la paix en 1573, cédant Chypre aux Turcs. Ainsi, la bataille n’a eu que peu d’impact durable sur l’extension de l’Empire ottoman, mais elle a eu un effet considérable sur le moral de l’Europe. Elle a fait l’objet de peintures de Titian, Tintoretto et Veronese et d’une ballade de GK Chesterton.


La bataille de Lépante dans l’art

Peinture de Andrea Micheli, dit Vicentino (1539–1614). Venise, Palais des Doges, Sala dello Scrutinio.

 

La bataille de Lépante. Par Andries van Eertvelt, 1640.

 

Andries-Van-Eertvelt

 

Bataille de Lépante par Jacopo Ribusti Tintoretto
Bataille de Lépante par Jacopo Ribusti Tintoretto

                                           Les monnaies de l’époque

 

Superbe pièce de monnaie espagnole en or de Phillippe II d’Aragon de 4 boucliers Valence

 

Chypre (colonie vénitienne) de 1567 à 1570,du Doge Pietro Loredan pièce de 4 Carzie

 

Monnaie d’Alvise Moncenigo I de Venise vers 1570-1577 piève de 40 soldi

 

Médaille (très rare venant d’une collection privée ) de bronze de Pie V vers 1571 Église de la sainte Croix de Bosco

 

Pièces de cuivre de la Cité du Vatican et de la République de Venise vers 1570

 

Pièce de monnaie arabe venant de l’empire ottoman vers 1570

 

L’héritage de la bataille de Lépante

 

On dit souvent que la bataille de Lépante est la dernière grande bataille de galères de l’histoire. Paradoxalement, la galère continue d’être largement utilisée aux XVIIe et XVIIIe siècles, notamment en Méditerranée et dans la Baltique. Il faut distinguer les galères de ce siècle avec celles utilisées par les Grecs, Carthaginois et Romains durant l’Antiquité. Ces dernières étaient plus grandes et disposaient de plusieurs rangs superposés de rameurs. Les galères du Moyen-Age et des siècles suivants sont plus petites, entre 40 et 50 mètres environ. Elles sont plates, longues, étroites et ont un faible tirant d’eau. Elles marchent à la voile et à l’aviron. Elles portent deux mats à antennes et de l’artillerie – cinq ou six canons seulement – à leurs seules extrémités, et principalement à l’avant car la galère est une arme offensive !

The Port of Genoa, c.1660, Adriaen Van Der Cabel, Oil on canvas, 955 x 1475mm, © National Maritime Museum, Greenwich, UK.

Andries van Eertvelt,le grand peintre de cette bataille à l’époque

 

Andries van Eertvelt semble très marqué et inspiré par la bataille de Lépante, bataille navale se déroulant le 7 octobre 1571 près du Golfe de Patras, en Grèce.

Il est bien difficile aujourd’hui de s’imaginer ce que fut la bataille de Lépante, probablement la plus grande bataille navale de l’histoire européenne. Les forces en présence sont incroyables pour l’époque : plus de 60.000 hommes. D’un coté la Sainte Ligue chrétienne – coalition comprenant l’Espagne, Venise, la Papauté, Gênes, la Savoie et les Chevaliers de Malte – et ses 200 galères menées par Juan d’Autriche, de l’autre 220 à 240 galères de l’Empire Ottoman – de plus en plus expansionniste à l’Ouest – commandée par Ali Pacha. Après plus de cinq heures de combat, les pertes sont énormes : plus de 25.000 morts et deux fois plus de blessés. Bien que les conséquences tactiques de la bataille soient limitées, Lépante est une immense victoire chrétienne et son retentissement est considérable en Europe.

De nombreuses représentations de la bataille sont réalisées aux XVe et XVIe siècles par des artistes européens de toutes nationalités. Il faut dire que ce type de peinture est alors très demandé. Eertvelt en exécute d’ailleurs plusieurs. La plus fameuse est probablement Navires en perdition (voir ci-dessous), réalisée en 1623. On peut y voir à droite un navire turc en train de couler, tandis que son équipage grimpe sur l’arrière ou se jette à la mer. Plus à l’avant plan un autre navire sombre sur des récifs. A gauche on remarque un grand navire avec un nombreux équipage qui porte sur le pont d’avant la signature et la date. Plus en arrière, l’inscription : God sij met ons allen, anno 1523 (Dieu soit avec nous). Sur la mer houleuse on peut distinguer plus loin plusieurs autres navires. L’un d’eux porte un pavillon hollandais, ce qui est étonnant étant donné que la marine néerlandaise n’a pas pris part à la bataille.

Navires en perdition pendant la bataille de Lépante (1571), 1623. Museum of Fine Arts, Ghent.

 

Même après son retour d’Italie, qui marque nous l’avons dis une certaine rupture dans ses œuvres, Eertvelt continue de peindre les combats de Lépante, ce qui traduit encore une fois la continuelle et forte demande pour les représentations de cette bataille, même plus de cinquante ans après l’événement. Par exemple :

 

La bataille de Lépante. Par Andries van Eertvelt, 1640.

On ne peut que constater le changement de style de l’artiste. Ainsi que nous l’avons vu, les couleurs sont moins sombres, la mer moins agitée. Les navires sont cependant plus nombreux, les combats plus furieux. L’immense quantité de navires et l’intensité des combats représentés dans cette peinture sont sans précédent et révèlent un spectacle à la fois impressionnant et terrifiant. Ici encore Eertvelt a inclut dans son œuvre des navires battant pavillon hollandais. On pourrait également a priori s’étonner de la présence de grands navires – dotés d’une artillerie latérale contrairement à la galère qui porte son artillerie en chasse – ressemblant étrangement à des vaisseaux de ligne (en bas à droite notamment). En vérité, Eertvelt a probablement voulu représenter les galéasses vénitiennes – six sont présentes à Lépante – sorte de super-galères plus grandes, plus hautes et mieux armées car effectivement dotées d’une artillerie latérale.

Andries Van Eertvelt en 1630 environ. Gravure de Schelte à Bolswert.

 

 

 

Deux Prix Nobel d’économie alertent sur les dangers du bitcoin

Alors que la devise numérique, après avoir atteint un pic à 11 000 dollars mercredi, accusait une baisse de 14,98% jeudi après-midi sous les 9 500 dollars, le français Jean Tirole et l’américain Joseph Stiglitz jugent la crypto-monnaie socialement inutile et nuisible.

Eric Piermont

À 24 heures d’écart, deux Prix Nobel d’économie mettent en garde contre le bitcoin et la folle hausse du cours de ces derniers jours. En milieu d’après-midi, la devise numérique en nette baisse valait 9 438,41 dollars (7 926 euros), en recul de 14,98% sur les dernières 24 heures après avoir dépassé pendant deux heures les 11 000 dollars mercredi en début de soirée.

Dans une tribune publiée jeudi par le Financial Times de Londres, le français Jean Tirole, économiste à l’École d’économie de Toulouse et Prix Nobel 2014, juge ainsi que le bitcoin est «un actif sans valeur intrinsèque»«sans réalité économique». Alors que la plupart des analystes s’accordent sur la nature totalement irrationnelle du mouvement actuel, Jean Tirole estime que «son prix pourrait carrément tomber à zéro si la confiance dans le système venait à disparaître».

L’économiste rappelle que l’histoire est jalonnée de bulles : celle des bulbes de tulipes aux Pays-Bas au XVIIsiècle, la bulle des mers du Sud un siècle plus tard qui explosa en Grande-Bretagne en 1720, les bulles immobilières, etc. Il estime ironiquement que le bitcoin pourrait devenir «le nouvel or», une matière première à laquelle la communauté qui gravite autour de la crypto-monnaie le compare souvent en y ajoutant le terme «numérique» mais pour ajouter qu’il ne mettra pas pour autant ses «économies» dedans et qu’il ne souhaite pas que les «banques régulées parient sur sa valeur».

Une allusion possible à l’information du Wall Street Journal selon laquelle la banque d’affaires new-yorkaise Goldman Sachs aurait décidé de lui consacrer une petite cellule afin de servir ses clients insititutionnels qui souhaiteraient en acheter. L’information n’a jamais été confirmée par la banque d’affaires, et son PDG, Lloyd Blankfein, a déclaré sur Bloomberg ce jeudi que «le bitcoin, ce n’est pas pour lui».

 

Pour Tirole, économiste d’obédience libérale, le bitcoin est peut-être «un rêve libertarien mais c’est un vraie migraine pour quiconque voit la politique publique comme un nécessaire complément à l’économie de marché». Jean Tirole note que le bitcoin est encore trop souvent utilisé pour l’évasion fiscale et le blanchiment d’argent plutôt que pour des achats classiques. Il pose la question qui fâche justement les libertariens attachés à une forme de «neutralité» technique de la monnaie : comment les banques centrales pourront-elles mettre en place des politiques contracyliques dans un monde de crypto-monnaies privées ? Autrement dit, quid de l’avenir des politiques monétaires ?

La blockchain bienvenue, pas les crypto-monnaies

Jean Tirole précise que son «scepticisme» ne concerne pas la blockchain ou «chaîne de blocs», la technologie réputée infalsifiable sur laquelle repose le réseau pair-à-pair totalement décentralisé qu’est le bitcoin. Ce type de bases de données décentralisées est une «innovation bienvenue» dit-il, avec «des applications utiles» incluant des exécutions rapides de «contrats intelligents»comme le permet par exemple l’ether, une autre crypto-monnaie basée sur la blockchain Etherum. Mais les crypto-monnaies ne contribuent pas au «bien commun» dit-il, à l’image de la «folie» des ICO, ces levées de fonds en bitcoin et ether qui battent actuellement tous les records.

Ce mode de financement présenté comme le graal de la désintermédiation des acteurs traditionnels du secteur aurait atteint les trois milliards de dollars sur les dix premiers mois de 2017. Selon Jean Tirole, les ICO négligent les «fondamentaux» de la finance à savoir «l’utilisation d’intermédiaires fiables et bien capitalisés pour suivre les projets». L’économiste conclut que les avancées technologiques ne doivent servir à se déconnecter des fondamentaux économiques et que les gouvernements qui accordent leurs sympathies au bitcoin et aux ICO seraient bien inspirés de «protéger leurs citoyens et leurs institutions financières contre un phénomène risqué et socialement nuisible».

Le Japon vient par exemple de reconnaître les monnaies virtuelles comme des moyens de paiement légaux. Et Gibraltar annonce à partir de janvier l’installation sur son sol surtout virtuel on imagine «le premier marché de levées de fonds ICO régulé».

Stiglitz favorable à une interdiction

Autre Prix Nobel à mettre en garde contre la fièvre autour du bitcoin, l’américain Joseph Stiglitz estime lui que le bitcoin devrait être interdit. Sur l’antenne de la chaîne financière new yorkaise de Bloomberg, le Prix Nobel 2001 d’économie a estimé que «le bitcoin ne sert aucune fonction socialement utile» et ne réussit «qu’en raison de son potentiel de contournement, du déficit de surveillance».

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Et de prédire que «c’est une bulle qui va donner à beaucoup de monde beaucoup de moments très excitants tant qu’elle monte puis elle va redescendre. Il me semble que le bitcoin devrait être interdit», a-t-il conclu.

 

 

 

 

 

 

https://www.bloomberg.com/news/videos/2017-11-30/goldman-ceo-if-bitcoin-works-we-ll-get-to-it-video

Il y a un an:Un extraordinaire trésor en or était découvert en Grèce

 

Un trésor inestimable par la beauté  des pièces.
Un trésor inestimable par la beauté des pièces.

 

Un trésor de 51 pièces d’or (macédoniennes et un collier) cachées à l’intérieur d’une cavité dans la roche dans l’ancienne Corinthe. Les pièces de Philippe II proviennent de Pella et Amphipolis en Macédoine, tandis que celles d’Alexandre III (le Grand) d’Amphipolis, de Milet et de Tarse en Asie Mineure, de Salamine à Chypre et de Sidon en Phénicie. Le trésor a été caché quelque temps après 330 avant JC, lorsque Alexandre était en Asie et une garnison macédonienne grecque avait été stationnée à Corinthe pour protéger l’isthme.

Palestine:une petite preuve de falsification de l’histoire/a simple smal proof of historical falsification

 

Pièce de 10 mils de Palestine...de 1927.
Pièce de 10 mils de Palestine…de 1927.

 

(Français)

« Pour ceux qui veulent un simple preuve que la Palestine existait avant 1948, voici une pièce de 1927 d’une valeur de 10 Mils (cette monnaie ne est plus utilisé). À noter également que le mot« Palestine »est écrit en arabe et en hébreu indiquant non seulement un présence juive, mais une  éminente  coexistence ou  Juifs et Arabes  vivent côte à côte dans la paix. L’idée sioniste qu’ils ne peuvent pas coexister est absolument fausse. « -Mahmod  King


(English)

« For anyone who wants a simple proof that Palestine existed before 1948, here’s a coin from 1927 worth 10 Mils (this currency is no longer used). Also note that the word “Palestine” is written in both Arabic and Hebrew indicating not only a Jewish presence, but a prominent one. Jews and Arabs DID live side by side in peace. The Zionist idea that they cannot coexist is an absolute fallacy.” -Mahmod King

 

 

 

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